Teoría musical/Conceptos básicos/Texto completo

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Contenido


¿Qué es la música?

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es una forma racional y lógica de organizar el sonido y el silencio en composiciones musicales. La música es un arte, y como tal, sigue criterios estéticos para expresar sentimientos y emociones.

La música es un fenómeno cultural. Diversos pueblos han desarrollado sistemas musicales con diferentes propósitos: festivos, religiosos, bélicos, reflexivos, etc.

La música es subjetiva como cualquier otra manifestación de la cultura. El significado que se asigna a una composición musical puede ser muy distinto según la cultura y las apreciaciones personales.

Elementos del sonido

Altura: La altura hace referencia a cuan grave o agudo es un sonido. La mayor parte de los instrumentos musicales producen sonidos con altura definida, aunque hay ciertos instrumentos de percusión que no poseen esta propiedad.

Duración: La duración se refiere al tiempo que se prolonga un sonido. La combinación de duraciones entre diferentes sonidos y silencios da origen al ritmo.

Intensidad: La intensidad está relacionada con el volumen. Hace referencia a que tan fuerte o suave es un sonido.

Timbre: El Timbre es la propiedad que hace que un sonido de una guitarra suene como una guitarra o el sonido de un violín suene como un violín. En general se dice que los sonidos son ondas, pero no son ondas puras, sino que se componen de muchas ondas llamadas armónicos, los armónicos de un sonido definen su timbre. Aunque hay otros aspectos involucrados en un timbre, por ejemplo el ataque o la resonancia.

Elementos de la música

Melodía: Se refiere a la organización sucesiva de los sonidos uno después del otro. Se entiende la melodía como la organización de las alturas de los sonidos en un sentido horizontal.

Armonía: Se refiere a los sonidos producidos simultáneamente. La armonía se produce cuando varias personas cantan al tiempo diferentes notas o tocan diversas notas en sus instrumentos. También se produce cuando un pianista presiona simultáneamente varias teclas en un piano. La armonía se relaciona con la organización de las alturas de los sonidos en un sentido vertical, la melodía en un sentido horizontal.

Ritmo: Se refiere a la distribución de los sonidos en el tiempo. Cuando escuchamos una pieza musical percibimos una sensación de movimiento. Esa sensación es el resultado de la forma en que las distintas notas se han distribuido en la pieza.

Métrica: La métrica se refiere a patrones regulares en el ritmo que se hace evidente a través de los acentos naturales.

Dinámica: Hace referencia a la combinación de intensidades de los sonidos.

Texturas musicales

Las texturas musicales son las combinaciones de melodías, armonías y ritmos en las diferentes voces de una composición. Al igual que la palabra texto, el origen etimológico de textura está relacionado con los tejidos o actividad textil.

Principales Texturas Musicales

Monodías o Monofonías

Las monodías son un tipo de composición que se caracteriza por estar formada por una sola melodía. Un ejemplo de monodía o monofonía es una composición de una sola voz, como una melodía ejecutada por una flauta. Otro ejemplo sería un conjunto de voces que tocan una misma melodía al unísono o hacen las mismas notas separadas por intervalos de octava.

Las monodías fueron una forma de composición característica de la música religiosa del período medieval. En las celebraciones litúrgicas se utilizaba el canto llano. Por su carácter religioso, los textos de estos cantos eran principalmente salmos u otros pasajes bíblicos. A lo largo de la historia se desarrollaron muchas formas de canto llano como los cantos Ambrosianos o Mozárabe, sin embargo, el tipo de canto llano más extendido fue el Canto Gregoriano.

Polifonía

La polifonía es una textura musical en la cual cada voz sigue líneas independientes en términos de melodía y ritmo o bien siguen una estructura imitativa. En una composición polifónica todas las voces tienen la misma relevancia y no queda una subordinada a la otra. Es difícil encontrar un origen histórico de la polífonía. Es posible encontrar composiciones de esta naturaleza en partituras para canto llano en la baja edad media. Las principales contribuciones al desarrollo de la polifonía tuvieron lugar durante el Renacimiento en la Escuela francoflamenca. Uno de los principales exponentes de esta escuela fue el compositor Josquin des Prés.

Contrapunto

Una de las principales técnicas de composición polifónica fue el contrapunto. Hay una variedad de formas de composición contrapuntística, entre ellas destacan la fuga, el canon y la invención. Las principales contribuciones al desarrollo de la composición contrapuntística fueron de compositores renacentistas como Palestrina y Orlando di Lasso. El contrapunto alcanzó su máximo nivel de expresión durante el período Barroco, su mayor exponente fue Johann Sebastian Bach.

Homofonía

La homofonía es un tipo de textura en el que todas las voces hacen diferentes notas pero con un mismo ritmo. El desarrollo de la homofonía en el canto llano fue una innovación muy significativa para la música occidental. Durante el medioevo se desarrolló el órganum, a partir de este tipo de compociciones se elaboró el contrapunto. Cabe destacar el órganum paralelo que permitió el descubrimiento de las relaciones armónicas entre las notas y fue un antecedente en el desarrollo de los acordes.

La homofonía, también, es la textura utilizada por las corales y es fundamental en el desarrollo de la armonía. Uno de los compositores más destacados de corales fue Bach, sus corales siguen siendo materia de análisis.

Esquema canto y acompañamiento

La melodía acompañada es un tipo de composición en la cual hay una voz predominante que realiza la melodía principal o canto. El resto de las voces realizan acordes o acompañamiento. Esta textura es muy característica de la música popular y el folclor. A fines del Barroco, con el desarrollo de la armonía, empezó un proceso de declive de la corriente contrapuntista. En el clasicismo y romanticismo se privilegió las texturas musicales en las que destaca una voz principal y el resto de las voces realizan el acompañamiento.

Otras texturas

Existen otras texturas musicales que se enuncian a continuación:

  • Politonalidad: La politonalidad es una textura en la que las diferentes voces están en diferentes tonalidades. Un claro ejemplo es "Marte: el portador de la guerra" de la suite Los Planetas de Gustav Holst.
  • Polimetría y Polirritmia: Son casos en que en una composición las voces siguen diferentes métricas rítmicas. Por ejemplo el empleo de 2/4 y 6/8 en ciertos géneros de folclor criollo (los ritmos de 3:2 o Hemiola).

Géneros musicales

Música Docta

La Música Docta o Música Culta se refiere a todas las composiciones que se fundamentan en el estudio sistemático de las relaciones de consonancia y disonancia entre los sonidos. Algunos musicólogos hacen la diferenciación entre música docta y música clásica (que tampoco se debe confundir con la música del clasicismo). La música docta es cualquier expresión musical que se base en el estudio sistemático y metódico de las relaciones entre los sonidos musicales, en esta definición es posible incluir a la música oriental, ciertos tipos de música aborigen, algunas ramas del jazz y las corrientes de música atonal. La música clásica, por otro lado, se refiere a la música de Europa occidental, en especial, la música relacionada con el desarrollo de la tonalidad, la armonía y el sistema temperado.

Barroco

La música barroca es el estilo musical característico del período homónimo. Abarca aproximadamente desde 1600 hasta 1750. Durante el barroco se hicieron las principales innovaciones que caracterizan a la música occidental. En esta época aparece la tonalidad que estudiaremos en capítulos posteriores de este libro. El desarrollo de la tonalidad tuvo como consecuencia indirecta la consolidación del temperamento igual, utilizado hasta la actualidad. El temperamento igual permitía la transportación de melodías y armonías a diferentes tonalidades. Junto con la tonalidad, en el barroco se comienza a desarrollar la armonía y el bajo continuo.

Durante el Barroco se desarrollaron las principales formas musicales que continuaron en uso en los períodos posteriores. En la música vocal se desarrolló la Ópera, la Cantata y el Oratorio. En la música instrumental se desarrolló la forma sonata y el concierto. Otras expresiones musicales características del barroco fueron la fuga y el concerto grosso.

Entre los principales exponentes de la música barroca destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell.

Clasicismo

Clasicismo es el período de la música europea comprendido entre 1750 y 1820. Se caracteriza por la consolidación de la armonía, reemplazando al contrapunto barroco. En el clasicismo se desarrollaron las estructuras de composición en tres o cuatro movimientos como la sinfonía, el concierto y la sonata. En el clasicismo se hace extensivo el uso de dinámicas variables como el crescendo o diminuendo, en especial, gracias a la invención del pianoforte. También se estandarizaron las ornamentaciones, en el barroco solían variar de un país a otro. Los compositores más representativos de este período fueron: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

Romanticismo

El romanticismo es un período musical ubicado entre principios del siglo XIX y principios del siglo XX. Su principal precursor fue Beethoven. Si bien Beethoven fue uno de los principales representantes del clasicismo, sus innovaciones sobre la composición abrieron paso a un nuevo período. En el romanticismo se mantienen las tradiciones de la tonalidad y la armonía propias del clasicismo y se conservan las formas y técnicas de composición, sin embargo, el período romántico se caracteriza por una actitud menos rígida hacia las normas y el privilegio de la expresión de las emociones y sentimientos.

Como ejemplo de la composición romántica se destaca el empleo de la canción y la canción sin palabras, composiciones con un énfasis especial en una línea melódica acompañada por acordes. Ya existía el antecedente de la Novena Sinfonía de Beethoven en la que el texto tiene una presencia fundamental. El compositor Franz Schubert escribió los lieder (canciones) de para Piano y Voz, que fueron muy representativos de la época. Por otro lado Mendelssohn escribe canciones sin palabras, que reflejan el uso de la música para la expresión de los sentimientos.

La ópera romántica es otro aspecto importante del romanticismo. Aquí también se observa un uso menos rígido de las normas. Richard Wagner se caracteriza por realizar óperas en las que se entrelazan las arias y los recitativos hasta confundirse sin distinguir el salto entre una y otra. En Italia hubo un importante movimiento de ópera romántica, los primeros compositores como Bellini o Donizetti siguen la tradición del bel canto incorporando una mayor complejidad en las composiciones. Otros compositores italianos como Verdi o Puccini comenzaron a incorporar algunas ideas de Wagner. Por otro lado, la ópera Carmen, de Bizet, es la primera en abandonar los temas mitológicos y centrarse en personajes realistas, dando paso a la corriente del Verismo.

En este período surge el movimiento nacionalista. Influenciada por la consolidación del estado-nación, la idea de tener un conjunto de personas que comparten una organización política y una identidad cultural. De esta forma compositores como Wagner incluyeron elementos de la mitología nórdica en sus óperas. Verdi, por otro lado, es reconocido por su ópera Nabuco cuya temática está fuertemente vinculada al nacionalismo. Otros compositores se caracterizan por incluir elementos folclóricos en su obra, entre ellos: Chopin, Brahms, Liszt, Albeniz, Dvorak, entre otros. En Rusia hubo una importante corriente nacionalista en el romanticismo tardío, en ella se destacan compositores como Chaikovski, Rimski-Kórsakov o Músorgski.

En el romanticismo ubicamos a los grandes compositores e intérpretes de Piano. El perfeccionamiento y evolución del piano permitió dotar a este instrumento de un mayor nivel de expresión. Entre los grandes pianistas del romanticismo encontramos a: Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin y Franz Liszt.

Otros importantes exponentes del período que cabe destacar son: Hector Berlioz, Carl Maria von Weber.

El romanticismo continuó vigente en la primera mitad del siglo XX. La influencia de Wagner es evidente en compositores como Richard Strauss, Erik Satie o Gustav Mahler.

Modernismo

A mediados del siglo XIX surgió una serie de movimientos musicales que no encajaban con la estética del romanticismo. No hay un total acuerdo sobre cómo clasificar estas composiciones en un programa de música, lo más común es agruparlos bajo el concepto de modernismo. Por regla general se entiende que el romanticismo exploró todas las posibilidades creativas de la tonalidad sin llegar a romper sus reglas más básicas. De esta forma, una gran parte de las corrientes modernistas se dedicaron a crear sistemas que no se basaban en la tonalidad. Es así como aparecen composiciones sumamente disonantes como el Microcosmos de Bartok o La Consagración de la primavera de Stravinsky.

Cabe aclarar que no toda la música moderna es disonante. Hay importantes compositores del siglo XX que se han mantenido apegados a las tradición de la tonalidad y la armonía.

A continuación se enumera algunas de las corrientes modernistas:

  • Impresionismo: Música inspirada por la técnica del impresionismo en la pintura. Sus principales exponentes fueron Claude Debussy y Maurice Ravel.
  • Atonalidad: Se considera como atonales a una serie de movimientos que buscaron evitar, reinventar o rechazar completamente la tonalidad. Muchos compositores usaron escalas no tradicionales o usaban las doce notas de la escala cromática.
  • Serialismo y Dodecafonismo: El serialismo se caracteriza por hacer melodías o series que se repiten en diferentes variantes. El dodecafonismo es un tipo de serialismo en el que se usan las 12 notas de nuestro sistema musical sin repetir. El principal exponente fue Arnold Schönberg.
  • Influencia del Jazz: En Estados Unidos se destacaron compositores como Aaron Copland, George Gershwin y Leonard Bernstein. Estos compositores incorporaron elementos del folclor norteamericano y el jazz.
  • Música latinoamericana: En latinoamerica diferentes compositores incorporaron elementos del folclor, por ejemplo: Heitor Villa-Lobos, Alberto Ginastera, Arturo Márquez, Enrique Soro.

Música Contemporánea

La música posterior a la II Guerra Mundial se suele denominar música contemporánea. Al igual que en la música moderna, no se trata de un estilo sino de múltiples estilos. No se profundizará en este tipo de música para no extender demasiado esta sección. Se recomienda el artículo de wikipedia sobre el tema.

Música Folclórica

La música folclórica es la que forma parte de las tradiciones o está fuertemente arraigada en la cultura de un pueblo. Se considera como música folclórica a las expresiones musicales de transmisión oral. Las canciones folclóricas, por lo general, no tienen un autor conocido. En la actualidad se ha pasado a considerar como música folclórica estilos como el Tango o el Bossa Nova. Estos estilos, pese a no ser de transmisión oral, se han convertido en un componente importante de la cultura en las sociedades en las que tuvieron origen.

Música Popular

La música popular es entendida como la música que no requiere importantes estudios académicos pero tampoco ocupa un lugar importante en la identidad cultural de un pueblo. La música popular era entendida, inicialmente, como sinónimo de la música folclórica. La música docta se transmitía, regularmente, a través de partituras, la música folclórica estaba asociada a la transmisión oral y sus autores eran normalmente desconocidos. Con el desarrollo del fonógrafo y la industria musical, se creó la posibilidad de registrar la música no académica.

Dentro de la música popular existen corrientes como el folk que se consideran música popular. También existen estilos como la cumbia, que por su popularidad y trascendencia, se consideran folclóricos en múltiples países. El tango por ejemplo se considera música folclórica por estar fuertemente vinculado a la identidad cultural en Argentina, sin embargo, no es una música de tradición oral. Por otro lado, los arreglos orquestales de tango requieren algún grado de formación disciplinada, una característica más representativa de la música docta.

Formas musicales

Las formas musicales son estructuras generales para orientar una composición. Fundamentalmente, las formas musicales definen la organización de los de motivos y temas en una composición. Algunas formas musicales pueden definir también aspectos como el estilo, la métrica, las textura, la agógica o la estética general de una composición.

Principales Formas

Forma Binaria

La forma binaria es una de las formas de estructurar las composiciones musicales. Como su nombre lo indica, las composiciones en forma binaria se estructuran en dos partes (A y B). Estas composiciones fueron muy comunes en el período barroco.

A continuación se muestra el Minueto en Sol Mayor de Bach, se trata de una composición en forma binaria. En la partitura está marcada la parte A y la parte B. Cada parte se repite dos veces. Si aún no sabes leer partituras se recomienda volver a esta página una vez que tengas los conocimientos suficientes.


\header {
  tagline = ##f
}

parteA = \relative c'' {
    d4 g,8 a b c |
    d4 g, g |
    e'4 c8 d e fis |
    g4 g, g
    c d8 c b a |
    b4 c8 b a g
}

melodia = \relative c'' {
  \set Score.markFormatter = #format-mark-box-alphabet
  \mark \default
  \key g \major
  \time 3/4
  \tempo 4 = 120
  \repeat volta 2 {
    \parteA
    fis,4 g8 a b g |
    b4 a2
    \parteA
    a4 b8 a g fis
    g2.
    \mark \default
  }
  \repeat volta 2 {
    b'4 g8 a b g |
    a4 d,8 e fis d |
    g4 e8 fis g d |
    cis4_"Do Sostenido" b8 cis a4 |
    a8 b cis d e fis |
    g4 fis e |
    fis a, cis |
    d2. |
    d4 g,8 fis g4 |
    e' g,8 fis g4 |
    d'4 c? b |
    a8 g fis g a4 |
    d,8 e fis g a b |
    c4 b a |
    b8 d g,4 fis |
    g2.
  }
}

\score {
  \melodia
  \layout {
    \context {
      \Score
      \remove "Metronome_mark_engraver"
    }
  }
}

\score {
  \unfoldRepeats {
    \melodia
  }
  \midi {}
}

En el ejemplo anterior se puede notar el contraste entre los temas de la parte A y B. Podrás notar que en la parte B aparece un signo sostenido () frente a la nota do. Esto es porque la melodía ha cambiado a otra tonalidad (ha modulado). Es muy común que la parte B comience en otra tonalidad y luego vuelva a la tonalidad principal. Seguramente no estás familiarizado con los conceptos de sostenido, tonalidad y modulación, todos estos conceptos serán explicados en el transcurso de este libro, recuerda repasar esta sección una vez que domines estos conceptos.

La forma binaria es muy común en diferentes danzas barrocas entre las que destacan:

Forma Ternaria

La forma ternaria es similar a la forma binaria. Su estructura es A-B-A. Es decir, que luego de la parte B se repite la parte A. La forma ternaria queda de la siguiente manera:

  • Sección A: se nos presenta una serie de motivos. La sección se encuentra en la tonalidad principal de la obra.
  • Sección B: se nos presentan motivos que contrastan con los de la sección A aunque con algunas similitudes. La sección comienza en otra tonalidad, puede ser una tonalidad cercana, homónima o relativa. Luego retorna a la tonalidad principal.
  • Sección A: también llamada reexposición, se repite la sección A.

Rondo

El Rondo es una forma musical en la que se repite constantemente un estribillo. La estructura del rondó sería A-B-A-C-A-D-A, se puede prolongar indefinidamente.

A continuación algunos ejemplos de Rondó:

Forma Sonata

La forma sonata es una estructura generalmente utilizada en el primer movimiento de las sonatas. Se usa también en algunas sinfonías y conciertos. La forma sonata es mucho más compleja tiene secciones que se dividen en diferentes subsecciones. Las tres principales secciones se denominan Exposición - Desarrollo y Reexposición. A continuación, un resumen de las tres partes de la forma sonata:

  • Exposición: en la exposición se presentan los motivos y temas que estarán presentes durante toda la obra. La exposición se divide, a su vez, en dos partes, A y B:
    • Parte A: Se encuentra en la tonalidad principal, aunque puede modular hacia una tonalidad relativa u homónima.
    • Parte B: Se encuentra en la tonalidad dominante.
  • Desarrollo: el desarrollo se conforma de melodías elaboradas a partir de los motivos presentadas en la exposición. A menudo se trata de variaciones. Al final del desarrollo se hace un rallentando para retornar a la reexposición. En el desarrollo suele haber múltiples modulaciones hacia diferentes tonalidades.
  • Reexposición: Aquí se retorna a la exposición con una pequeña diferencia: la Parte B se encuentra en la tonalidad principal, no se modula a la dominante.

Otras Formas

A lo largo de la historia de la música se han desarrollado múltiples formas musicales, algunas muy estructuradas como la forma sonata, otras muy libres como la balada. A continuación te presentamos un listado de las principales formas aunque hay muchas más:

Instrumentos musicales

Si estamos hablando de música, los instrumentos musicales ocupan un lugar fundamental. Es imposible hablar de música sin mencionar los instrumentos musicales. El estudio de los instrumentos musicales se denomina organología.

La característica principal de un instrumento musical es su timbre. A grandes rasgos podemos decir que el timbre es lo que hace que un sonido de una guitarra sea distinto que el de un violín. Hay muchos elementos que influyen en el timbre de un instrumento, los principales son:

Hay instrumentos que tienen una entonación definida por ejemplo: el violín, la guitarra, el piano. Otros instrumentos, como los platillos, el gong, la batería, no tienen una afinación definida y no emiten notas musicales, aunque pueden emitir sonidos más agudos o más bajos.

Clasificación de instrumentos musicales

Los instrumentos se pueden clasificar según diferentes criterios. Revisaremos la clasificación según su tesitura y según el elemento vibrante.

Según tesitura

La tesitura es el rango de alturas que puede emitir un instrumento o voz humana. Existen cuatro tesituras básicas:

A veces se agregan dos tesituras:

Según el elemento vibrante

Normalmente se clasifica a los instrumentos musicales según su elemento vibrante. Originalmente la clasificación incluía tres categorías:

  • de cuerda
  • de viento
  • de percusión

Uno de los problemas de esta clasificación es que los instrumentos de percusión pueden incluir instrumentos con notorias disimilitudes. Por ejemplo, el triángulo y el timbal son instrumentos de percusión, pero sus propiedades son totalmente distintas. El piano es un instrumento de cuerda percutida, puede entrar dentro de dos clasificaciones (como instrumento de cuerda y como instrumento de percusión).

La clasificación más extendida en la actualidad es la de Hornbostel-Sachs. Esta considera cuatro categorías: cordófonos, aerófonos, idiófonos y membranófonos. Posteriormente se agregó a los electrófonos.

Cordófonos

Los cordófonos son los instrumentos que producen sonido a través de la vibración de una cuerda. En esta categoría se incluye instrumentos como la guitarra, el violín, el arpa y el piano.

Normalmente se reconocen tres subcategorías:

  • De cuerda frotada: violín, viola, violonchello y contrabajo.
  • De cuerda pulsada: guitarra, arpa, etc.
  • De cuerda percutida: piano, clavicordio.

Aerófonos

Los aerófonos son los instrumentos que producen sonido a través de una columna de aire. Estos instrumentos, a su vez, incluyen dos subclasificaciones:

Según el material
  • Bronces: saxofón, trompeta, corno francés.
  • Maderas: oboe, Clarinete, fagot.
Según el modo de excitación de la columna de aire
  • De embocadura: flauta, órgano.
  • De lengüeta: saxofón, oboe.
  • De boquilla: trompeta, corno.

Idiófonos

Los idiófonos son instrumentos en los que el elemento vibrante es un cuerpo rígido. Ejemplos representativos son: platillos, triángulo, marimba, vibráfono, clave.

Existen algunas subclasificaciones que se detallan a continuación:

  • Percutidos: clave, marimba, vibráfono.
  • Sacudidos: maracas, cascabeles.
  • Raspados: Güiro.
  • Manuales: Vasijas o cántaros.

Membranófonos

Los membranófonos son instrumentos en los que el elemento vibrante es una membrana tensada. Los principales ejemplos son: el timbal, las congas, los tambores, etc.

Electrófonos

Los electrófonos son instrumentos que producen sonido totalmente a través de circuitos eléctricos analógicos o digitales. No se considera electrófonos a instrumentos como la guitarra eléctrica o bajo eléctrico, estos serían electroacústicos ya que el origen del sonido es la vibración de una cuerda. Otros instrumentos, como el órgano eléctrico o el piano eléctrico, son considerados mecano-eléctricos.

Los principales ejemplos de instrumento electrófono son el sintetizador, el theremin y el ondas martenot.