Manual del escritor/Audiovisuales/El lenguaje audiovisual

Antes de escribir inicialmente guiones audiovisuales, es interesante aprender algunas terminologías comunes en el lenguaje audiovisual, que seguramente le agregarán peso a la narración.

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Tipos de plano

Los planos en realidad son sólo tres: El plano general, el plano medio y el primer plano, pero dada la riqueza tecnológica y las sutilezas de la mirada del director, pueden encontrarse muchos más para precisar los encuadres. Los siguientes son los tradicionales:

Plano panorámico o gran plano general

Muestra un gran escenario, puede ser por ejemplo una panorámica de una ciudad por o una multitud; sirve a la narración como ubicador, tiene valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre frente al medio. Se da con él más relevancia al contexto que a las figuras que se filman. También se utiliza para mostrar los paisajes.

Plano general

Presenta a los personajes de cuerpo entero y muestra con detalle el entorno que les rodea. Lo podemos notar mayormente en la carátula de las películas. Abarca gran parte del escenario natural o decorado, integra a los personajes en su ambiente. Se utiliza para comenzar una escena o para situar una acción.

Plano general corto

Es pura y exclusivamente de contexto. Pueden verse los personajes y sus acciones, cobrando así importancia. Es típico de interiores.

Plano conjunto

Es el encuadre donde aparece un personaje con otro. Es decir en el encuadre final aparecen dos personas. Si fuera solo una persona sería plano general entero (PGE), como ejemplo se tiene una conversación. Si dentro de este plano no hay un movimiento interno, podría transmitir los mismo significados que un plano general.

Plano americano

También denominado 3/4, plano medio largo o plano vaquero, recorta la figura por la rodilla aproximadamente, para mostrar la acción de las manos. Se utiliza desde los westerns porque las botas de cuero originales para los vaqueros eran un costo muy grande e innecesario para la producción de la película.

Plano medio

Es la distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos, como es el caso de las entrevistas.

Plano medio corto

Captaría el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno, para concentrar la máxima atención en ella .

Primer plano

En el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje, aunque en la primera mitad del siglo XXI ha surgido la tendencia de usarlos para trasmitir el ahogo o impotencia del personaje frente a los hechos de la trama.

Primerísimo primer plano

Capta el rostro desde la base del mentón hasta la parte de arriba de la cabeza. También dota de gran significado a la imagen.

Plano detalle

Solo muestra en su máxima expresión a un objeto, en este se concentra la máxima capacidad expresiva. Sirve para enfatizar algún elemento de esa realidad, destaca algún detalle que de otra forma pasaría desapercibido y hace sentir al espectador tener más interés.

Plano secuencia

Secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación.

Plano subjetivo o PDV

Es la toma que nos muestra directamente el punto de vista de un personaje, o sea que vemos la acción y los acontecimientos como si fuésemos el personaje mismo dentro de la película.

Movimientos de cámara

Paneo

Rotación horizontal de la cámara sobre su eje (izquierda-derecha) para seguir a un personaje o mostrar un paisaje.

Tilt down

Rotación vertical de la cámara sobre su eje (abajo) bajar o descender para revelar altura o profundidad.

Tilt up

Rotación vertical de la cámara sobre su eje (arriba), subir o elevar para revelar altura o profundidad.

Traveling

La cámara se mueve físicamente en rieles o sobre ruedas, hacia adelante (push in) o hacia atrás (push out) para seguir o alejarse de un sujeto, creando intimidad o soledad.

Zoom in

Se ajusta la distancia focal del lente para acercar (zoom in) o aproximar la imagen sin mover la cámara, comprimiendo o expandiendo el espacio.

Zoom Out

Se ajusta la distancia focal del lente para alejar (zoom out) o distanciar la imagen sin mover la cámara, comprimiendo o expandiendo el espacio.

Otros Movimientos/Técnicas

Handheld: Cámara en mano para un estilo más documental, caótico o inmersivo.
Drone: Permite planos aéreos amplios y dinámicos

. Cada movimiento tiene un propósito narrativo específico, desde crear suspenso y emoción hasta revelar información o contextualizar una escena.

Ángulos de Cámara

El ángulo o ángulos de cámara es literalmente desde que ángulo y altura estará la cámara en relación con el personaje. Da perspectiva, generaría emociones y para el momento de edición tendría ángulos variados ayuda a darle dinamismo al montaje.

Es por esto que la cámara es el medio de comunicación entre el espectador y lo que queremos contar. Es tan importante para la historia como la actuación de los personajes.

Así que cuando ya decidiste con que tamaño de plano encuadraras a tu personaje en escena, lo que sigue es determinar la altura y ángulo de cámara. A continuación te mostramos qué tipos de ángulos fotográficos hay y cómo los usarías.

Normal

La cámara la colocamos paralela al suelo y al sujeto. Es una toma frontal que nos recuerda que somos espectadores de la realidad. Para que funcione, necesariamente nos pondremos siempre a la misma altura del objeto que queremos fotografiar. Es el ángulo que repetimos una y otra vez con la cámara porque es como miramos habitualmente. Como vemos la televisión o el ordenador, como sentimos el teatro o el cine como espectadores. Ángulos de fotografía: Solo que nos llevaremos forzadamente la cámara al ojo y disparar como andamos para que nuestras fotografías llamen la atención. Eso sí, como es el ángulo más habitual, no llamaría tanto la atención y nos apoyaríamos sí o sí en otras herramientas del lenguaje fotográfico.

Picado

La cámara se inclina hacia el sujeto. Nosotros estamos en un plano superior y llevamos la cámara hacia abajo. Provoca que el objeto fotografiado se vea más pequeño. Evidentemente, exige que nosotros estemos más elevados o simplemente que seamos más altos que las personas u objetos a los que estamos mirando. Ángulos de fotografía: Por supuesto, no haríamos toda una sesión únicamente con este ángulo. Es extraño para el espectador y llegaría a cansarnos visualmente. Lo mejor es combinarlo con los demás para que no pierda ese aire distinto que da el picado.

Contrapicado

Es el ángulo complementario al picado. La cámara la inclinamos hacia arriba. Estamos en un plano inferior respecto al sujeto. Todo saldrá más grande, psicológicamente más importante. Ángulos de fotografía: Si le diéramos grandiosidad a un paisaje, a una persona, es la mejor elección que tomaríamos. Disparar desde una altura más baja que el sujeto llama poderosamente la atención a los espectadores. Igual que sucede con el anterior, el espectador mirará estas imágenes atentamente la primera vez que las vea, pero se cansará pronto de este ángulo si lo utilizamos con frecuencia.

Cenital o Zenital

Es uno de los ángulos más vistos en la actualidad. Viene de cenit (camino encima de la cabeza). Todos los planos de los mapas, de los drones, son cenitales. La cámara está en lo alto y perpendicular al suelo. Es difícil conseguirlo, pues la cámara debidamente estará a 90º hacia abajo. Siempre podemos subirnos a un mirador, a un piso alto o a un puente y plasmar todo lo que pasa por debajo de nosotros. Ángulos de fotografía: El ángulo cenital convierte al fotógrafo en un narrador que parece poder contemplar todo lo que ve. Es importante que la imagen sea limpia para que el espectador no tarde mucho tiempo en identificar lo que está contemplando.

Nadir, es un contrapicado exagerado

Es lo contrario a cenit y significa 'opuesto'. La cámara está en el suelo y mira hacia el cielo, lo que provoca imágenes muy llamativas. Ángulos de fotografía: Para conseguirlo hay que estar más bajo que el sujeto o colocar la cámara directamente en el suelo. Es realmente difícil y hay que forzar la situación. Si estuviéramos en el interior de una catedral, el resultado sería espectacular. Y siempre colocaríamos la cámara en el suelo y hacer una foto con todos los amigos.

Aberrante u Holandés

Se caracteriza por tener un ángulo de 45 grados o se conoce vulgarmente como un ángulo inclinado, también se conoce como ángulo imposible por su mayor dificultad de capturar y de realizarlo.

El eje

Right Paning (movimiento de la cámara sobre su eje hacia la derecha, en Latinoamerica se le conoce como Paneo.
Left Paning (movimiento de la cámara sobre su eje hacia la izquierda). Ambos movimientos se relacionan con la vista panorámica como indican sus nombres anteriormente dichos, sin excluir la denominación latinoamericana que se mencionó anteriormente.

Las transiciones

Corte

El cambio más básico e instantáneo de un plano a otro. Sería un corte simple o invisible para no ser notado.

Fundido a negro

Indicaría el paso de mucho tiempo, un cambio de escenario o señalar el final de una secuencia argumental. Se usa para dar un respiro dramático entre escenas o crear una ruptura temporal. También es muy efectivo para finales emotivos.

Fundido

La imagen se desvanece progresivamente a negro (o blanco) o viceversa, marcando inicio, fin de secuencia o paso de tiempo.

Cortinilla

Este tipo de transición funciona pasando de un plano a otro como si se abriera una cortina. Por lo tanto, consiste en el reemplazamiento progresivo de un plano por otro. Hay distintas formas para reemplazarlos: desplazándose o empujando de arriba abajo (vertical), de un lado a otro (horizontal), en diagonal, espiral, abanico... Para dividir la imagen con la cortinilla se puede hacer con el borde de color (separando dos mundos distintos) con el borde definido (separando de manera clara ambas imágenes) o con el borde difuminado mediante el cual se mezclan las dos imágenes.

Este tipo de transición es un efecto óptico en movimiento en el cual una escena parece empujar a otra fuera de la pantalla. También adquirirían formas muy distintas y originales: de estrellas, llamas, rayos, cerraduras, corazones, diamantes, picas, tréboles, etc. Un claro ejemplo es la película de Batman, en la cual aparecían cortinillas con forma de murciélago. Este efecto cayó en desuso. Las cortinillas necesitan la producción de un duplicado en negativo, esa es la razón por la cual su uso frecuentemente se limita a films en 35mm. Una de las películas en las que aparece es en “El que recibe las bofetadas” (1924) de Victor Sjöström. Otra película donde aparece este efecto es “La guerra de las Galaxias” (1977) de George Lucas.. Las cortinillas son transiciones mecánicas. En las primeras películas sonoras, especialmente en los musicales, era un método que se utilizaba con frecuencia. Hoy en día se utilizan principalmente en las películas promocionales (tráiler), en anuncios televisivos o en películas publicitarias. Aun así su uso es muy limitado muchas veces se emplea como guiño cultural para los espectadores que tienen conocimiento de la evolución del lenguaje cinematográfico.

Barrido

Una línea o forma (círculo, cuadrado, etc.) "barre" la pantalla, revelando el siguiente plano, como una cortina.

Composición

La Regla de los Tercios es un principio fundamental en la composición visual. Consiste en dividir la imagen en nueve partes iguales mediante dos líneas horizontales y dos verticales imaginarias. Los puntos de interés se colocan en las intersecciones de estas líneas o a lo largo de ellas.

En los espacios informativos, el informador se sitúa en una de las dos líneas verticales imaginarias, dejando “aire” (espacio libre) para que en los otros dos tercios de la pantalla aparezca el fondo. La clave es colocar los ojos del sujeto a la altura de la línea horizontal imaginaria superior que componen los tercios.

Aplicaciones comunes:

Entrevistas: Tanto en exteriores como en plató.
Informativos: Especialmente relevante con el uso de pantallas de plasma y videowalls en la escenografía de los platós, donde la información emitida en estas pantallas cobra tanta importancia como la introducción del presentador.
Documentales o reportajes: Particularmente en escenas de movimiento.

Composición por el contraste

La composición por contraste audiovisual es una técnica fundamental para generar interés, jerarquía y emoción, yuxtapponiendo elementos opuestos (luz/sombra, color, tamaño, textura, forma) para dirigir la mirada del espectador, enfatizar lo importante y dar dinamismo a la imagen o escena, creando así una narrativa más potente y clara.

Tipos de contraste y sus aplicaciones:

Contraste de Luz y Sombra (Lumínico): Crea profundidad y dramatismo.
Alto contraste: Luces intensas y sombras profundas (claroscuro), ideal para suspense o drama (ej. Clave baja).
Bajo contraste: Tonos suaves y pocas sombras, para atmósferas más sutiles o etéreas (ej. Clave alta).
Contraste de Color: Resalta elementos y aporta energía. Uso de colores complementarios u opuestos en el círculo cromático para que resalte. Contraste de saturación (colores vivos vs. apagados) o temperatura (cálidos vs. fríos).
Contraste de Forma y Tamaño: Jerarquiza visualmente.

Un objeto grande contra muchos pequeños, o una forma geométrica definida contra fondos abstractos. 'Ejemplo: +' un bebé (tamaño pequeño) sobre manos adultas (tamaño grande).

Contraste de Textura: Añade interés táctil.

Texturas rugosas frente a lisas (ej. una pared de piedra vs. un rostro suave).

Contraste Conceptual o Temático: Introduce ideas o emociones. Presentar elementos dispares para generar una idea (ej. una casa antigua entre edificios modernos).
Contraste emocional (alegría vs. tristeza) o de edad (anciano vs. niño).

Efectos clave:

Atrae la atención: Destaca elementos cruciales.
Crea jerarquía visual: Guía al espectador sobre qué mirar primero.
Aporta dinamismo y emoción: Hace la composición más atractiva y menos estática.
Simplifica el mensaje: Elimina lo superfluo para enfocarse en lo esencial.

La continuidad

La continuidad audiovisual , o raccord, es el principio que asegura la coherencia visual y narrativa entre planos y escenas para que la historia fluya sin interrupciones para el espectador, a pesar de grabarse de forma no cronológica. Se enfoca en mantener consistentes detalles como vestuario, atrezo, iluminación, maquillaje, dirección de miradas y posición de personajes para mantener la ilusión de una realidad unificada, siendo el trabajo del continuista (o script) asegurar que estos detalles no cambien entre tomas.

Componentes clave de la continuidad

Espacial: Asegura que los personajes y objetos se mueven y posicionan de forma consistente en el espacio (respetando la regla de los 180° y el eje).
Temporal: Mantiene la coherencia de tiempo, evitando que parezca que ha pasado demasiado tiempo o que los eventos son inconsistentes.
Visual: Incluye vestuario, peinado, maquillaje, iluminación, utilería (objetos en la mano, nivel de líquido en vasos), dirección de miradas y movimientos.

¿Por qué es crucial?

Inmersión del espectador: Evita que la audiencia se distraiga por inconsistencias, manteniéndola dentro de la historia.
Realismo: Refuerza la sensación de que los eventos ocurren en un mismo tiempo y lugar.
Coherencia narrativa: Unifica fragmentos grabados en momentos y órdenes distintos en un relato fluido.
El papel del continuista: Es la persona encargada de registrar todos los detalles de cada toma (posición de objetos, vestuario, etc.). Su objetivo es que, al unir los planos en la edición, todo parezca una secuencia continua y no una colección de fragmentos desordenados.

Diégesis

El sonido en películas se lo llama diegético si lo que suena es parte de lo narrado. De este modo, si uno de los personajes está tocando algún instrumento musical, o reproduce un disco compacto, el sonido resultante es diegético. Lo opuesto, si suena música de fondo que no es oída por los personajes de la película, se denomina no diegética, o más exactamente extradiegética.

La diégesis audiovisual se refiere al universo o mundo narrativo ficticio de una película o serie, incluyendo todo lo que existe y ocurre dentro de él, como personajes, lugares y eventos; los elementos diegéticos son aquellos que pertenecen a este mundo (diálogos, sonidos de la calle, música de una radio que suena en la escena), mientras que los extradiegéticos son externos (una voz en off del narrador, la música de fondo que solo oye el espectador).

Conceptos Clave:

Diégesis (Mundo Diegético): Es el universo imaginario y coherente de la historia, el espacio y tiempo ficcional donde se desarrollan los hechos.
Sonido Diegético: Sonidos que provienen del mundo de la película y que los personajes pueden escuchar, como voces, efectos de objetos (pasos, lluvia) o música de una fuente visible (un altavoz, un instrumento).
Sonido Extradiegético (No Diegético): Sonidos que no pertenecen al mundo de la ficción y que son añadidos para el espectador, como la banda sonora que subraya emociones o un narrador externo.

Ejemplos Prácticos:

Diegético: Un personaje escuchando música en su teléfono móvil; el ruido de un motor de coche; el diálogo entre dos personas.
Extradiegético: Una voz en off narrando la historia desde fuera; una melodía épica que acompaña una escena de acción sin que nadie en ella la escuche.

Importancia:

La distinción entre diégesis y extradiegésis es fundamental en el diseño de sonido y guionismo para crear realismo, ambientación y controlar la información que recibe el público, sumergiéndolo en el universo de la obra.

El tiempo

El tiempo en audiovisuales es un elemento narrativo fundamental que se manipula mediante el montaje y la edición para representar la duración, ritmo y secuencia de la historia, difiriendo del tiempo real; se usa a través técnicas como la cámara lenta (ralentizado),cámara rápida (aceleración), elipsis (saltos temporales), flashbacks(saltos atrás), flashforwards(saltos adelante), y la creación de suspense o resumen de eventos, fragmentando la cronología para crear tensión o agilizar la narración.

Técnicas de manipulación temporal

Cámara lenta (Ralentizado): Muestra eventos a menor velocidad que la realidad para enfatizar detalles o crear un efecto dramático, como en escenas de acción.
Cámara rápida (Aceleración): Acelera las imágenes para resumir un período, como un amanecer o el crecimiento de una planta.
Elipsis: Omite partes de la acción para ahorrar tiempo, como un salto de años o una transición de una escena a otra.
Secuencia de montaje: Resume un lapso de tiempo con varias imágenes (fotos, rótulos) para mostrar progreso, común en películas biográficas o deportivas.
Estiramiento/Alargamiento: Usa el montaje para hacer que un breve momento parezca más largo, creando tensión (ej. cuenta atrás).
Flashback (Salto atrás): Interrumpe la línea temporal para mostrar eventos pasados, a menudo relacionados con la memoria o el origen de un personaje.
Flashforward(Salto adelante): Muestra eventos futuros, creando anticipación o presagio.

Tipos de tiempo en narrativa audiovisual

Tiempo fílmico o cinematográfico: La duración que el público percibe en la pantalla, a menudo distinto al tiempo de la historia.
Tiempo real o cronológico: Coincide con el tiempo que transcurre en la vida real; una escena puede durar en pantalla lo mismo que en la realidad (ej. películas "a tiempo real").
Tiempo histórico/contextual: El marco temporal social y cultural de la historia (ej. los años 90).

Funciones del tiempo

Ritmo y Tensión: Alterar el tiempo (ralentizar una explosión, acelerar un montaje) influye en la emoción del espectador.
Narración: Permite contar historias complejas, saltando entre pasado, presente y futuro para revelar información.
Subjetividad: Refleja la memoria y la percepción interna de los personajes, como en la película El espejo de Tarkovsky.